BAROQUE (1600-1750)

ÉPOQUE BAROQUE

Le baroque couvre une grande période dans l’histoire de la musique et de l'opéra. Il s’étend du début du xviie siècle environ au milieu du xviiie siècle, de façon plus ou moins uniforme selon les pays considérés. De façon nécessairement schématique, l’esthétique et l’inspiration baroques succèdent à celles de la Renaissance (apogée du contrepoint et de la polymélodie) et précèdent celles du classicisme (naissance d'éléments discursifs, comme la phrase musicale ponctuée) : comme dans l'architecture, les « figures » musicales baroques sont soutenues par une « basse continue » très stable (on est à la jonction entre contrepoint et harmonie).

Le mot baroque vient vraisemblablement du portugais barroco qui désigne des perles de forme irrégulière. On l’a inventé pour qualifier, au début de façon péjorative, l’architecture baroque venue d’Italie. Ce n’est que plus tard, en 1951, que le claveciniste français Robert Veyron-Lacroix l'a utilisé pour la première fois pour qualifier la musique qui lui était contemporaine, lorsqu'il créa « L'Ensemble Baroque de Paris ». Toute connotation péjorative a disparu depuis lors, et le terme tend davantage maintenant à désigner la période de composition que le caractère de l’œuvre.

L’ère de la musique baroque débute symboliquement en Italie avec l'opéra de Claudio Monteverdi (1567-1643), L'Orfeo (1607), et se termine avec les contemporains de Jean-Sébastien Bach et Georg Friedrich Haendel. Jean-Philippe Rameau (1683-1764) et Georg Philipp Telemann(1681-1767), de par leur longévité, composent leurs dernières œuvres dans les années 1760 mais, bien avant cette décennie, les compositeurs plus jeunes se sont tournés vers un nouveau style.

Au cours de la période baroque, la musique instrumentale s’émancipe et naît véritablement : elle ne se contente plus d’accompagner ou de compléter unepolyphonie essentiellement vocale ; si elle emprunte encore, au début duxviie siècle, ses formes à la musique vocale, elle ne tarde pas à élaborer ses propres structures, adaptées à leurs possibilités techniques et expressives.

Les deux pôles de la musique baroque sont l’Italie et la France, dont les styles sont fortement opposés malgré des influences réciproques. Cette opposition était telle que beaucoup de musiciens de l’une des écoles allaient jusqu’à refuser de jouer des œuvres provenant de l’autre. Le style italien se diffusa largement hors d’Italie. La France est sans doute le pays qui résista le plus à cette domination, sous l’influence de Jean-Baptiste Lully (Italien naturalisé français), ceci jusqu’à laQuerelle des Bouffons, au milieu du xviiie. Par ailleurs, la France a suivi avec retard le mouvement européen d’évolution de la musique vers le style dit « classique » illustré notamment par Haydn et Mozart.

D’autres foyers existent et participent au mouvement en y apportant leurs spécificités : les Pays-Bas et l’Allemagne du Nord (le stylus fantasticus, le choral), l’Angleterre (l’art de la variation), un peu l’Espagne. Une synthèse apparaît dans la musique allemande, qui emprunte à ces différents courants et culmine dans l’œuvre de Jean-Sébastien Bach. Elle existe aussi, de façon beaucoup moins accomplie, chez quelques autres dont Johann Jakob Froberger (musicien européen par excellence), Georg Muffat, savoyard devenu autrichien après avoir étudié en France et en Italie, François Couperin (les Goûts Réunis). Quant à Haendel, son œuvre relève plus de l’assimilation personnelle de chaque style que d’une véritable synthèse : il sait composer comme un Allemand du Nord, comme un Italien, comme un Français, et crée même le nouveau genre de l’oratorio en anglais.

Le style baroque se caractérise notamment par l’importance du contrepoint puis par une harmonie qui s’enrichit progressivement, par une expressivité accrue, par l’importance donnée aux ornements, par la division fréquente de l’orchestre avec basse continue, qui est nomméripieno, par un groupe de solistes qui est le concertino et par la technique de la basse continue chiffrée comme accompagnement de sonates. C’est un style savant et sophistiqué.

Le luth jouit d’une grande vogue au xviie siècle. Toile duCaravage (1595)

Le style baroque exprime aussi beaucoup de contrastes : les oppositions notes tenues/notes courtes, graves/aiguës, sombres/claires (un accord majeur à la fin d’une pièce mineure)... ou encore l’apparition du concerto (de l’italien concertar« dialoguer ») qui met en opposition un soliste au reste de l’orchestre (le tutti), l’opposition entre pièces d’invention (prélude, toccata, fantaisie) et pièces construites (fugue) ne sont que des exemples.

Le classicisme, plus tard, aura pour ambition de « revenir à la nature ». La confrontation de ces deux idéaux trouve une de ses illustrations les plus célèbres dans la véhémente « Querelle des Bouffons » qui confronte, en France vers 1740 la tragédie lyrique à la française et l’opéra-bouffe italien (Rameau contre Rousseau).

De nombreuses formes musicales sont créées pendant cette période d’un siècle et demi : certaines y atteignent leur apogée (par exemple : la suite, le concerto grosso…) pour ensuite tomber dans l’oubli, d’autres connaîtront une fortune qui durera bien au-delà de la fin du baroque : l’opéra, la sonate (qui engendrera lasymphonie), le concerto de soliste.

La période baroque est aussi un moment important pour ce qui concerne l’élaboration de la théorie musicale. On y passe progressivement des tonalités de la polyphonie (tons ecclésiastiques du plain-chant) à la gamme tempérée et aux deux modes majeur et mineur légués à la période classique. On aura entre-temps inventé et expérimenté de nombreux tempéraments et posé les bases de l’harmonie classique. Des instruments s’effacent, d’autres apparaissent ou prennent leur forme définitive, pendant que la facture fait de nombreux progrès et que les techniques d’exécution se stabilisent et se codifient. Il s’agit donc, à tous égards d’une période très féconde.

REDÉCOUVERTE DES OEUVRES BAROQUES

Interprétation du XIXème siècle

Beaucoup d’œuvres de cette époque, notamment les plus marquées par le contrepoint, ont connu une longue éclipse de la fin du XVIIIème siècle jusqu’au milieu du xxe siècle. Bach a été quasiment oublié de sa mort (1750) jusqu’en 1829, qui voit le retour (initié par Félix Mendelssohn) de la "Passion selon Saint Matthieu" dans le répertoire, après un siècle de délaissement. À la suite de cet évènement, l’intérêt s’accroît pour les musiques du passé qui semblaient devoir ne jamais revenir au répertoire. Cependant, certains musicologues se lancent dans la compilation et l’édition critique des œuvres de grands compositeurs tels Bach, Haendel, Rameau, Couperin… 

Les instruments ont évolué, et certains ont disparu ; le clavecin ressuscité au début du xxe siècle sous l’impulsion notoire de Wanda Landowska ne ressemble plus guère à celui des grands facteurs parisiens du xviiie siècle ; les violes ont cédé la place depuis longtemps. Au sein de la Schola Cantorum, Vincent d'Indy fit œuvre de restaurateur de la musique ancienne et baroque, de Palestrina, Bach, Monteverdi à Gluck, Corelli, Destouches. Les « Concerts historiques » de la Schola Cantorum (qui attiraient l'élite artistique de Paris, de Léon Bloy à Debussy) révélèrent quantité d'œuvres anciennes que l'on ne jouait plus. C'est dans ce contexte que Wanda Landowska tint une classe de clavecin rue Saint-Jacques.

Renouveau de l’interprétation au xxe siècle 

Avant 1950

Le xxe siècle siècle baroque commence en 1904, lorsque Albert Schweitzer fait paraitre un livre intitulé J.S. Bach, le musicien-poète. S'ouvre alors une ère nouvelle, où la musique baroque n'est plus seulement étudiée dans son architecture certes géniale, mais aussi dans la beauté de la ligne, la vérité du dessin, et dans tout ce qu'elle est capable d'émouvoir. C'est d'ailleurs en étudiant J.-S. Bach que le nom de Vivaldi apparaîtra, par transcription de concertos interposés. Malgré les travaux de recherche et de compréhension de tout le patrimoine musical de l'Europe baroque entrepris par nombre de musicologues – en particulier les Français André Pirro et Marc Pincherle, ou l'Italien Giuseppe Torrefranca –, la diffusion de cette musique restera finalement assez confidentielle jusqu'en 1945.

Parallèlement, en ce début de xxe siècle, quelques musiciens passionnés s’efforcent de retrouver les principes d'interprétations en cours à l'époque baroque. Sous l’impulsion également des facteurs d’instruments qui tentent de leur fabriquer des copies d’anciens, ces musiciens étudient les traités relatifs à l’exécution laissés par les théoriciens, de façon très dispersée en général.

Cette avant-garde est inaugurée d’abord en Grande-Bretagne par le violoniste et facteur d’instruments français Arnold Dolmetsch (1858-1940), en France par Henri Casadesus (viole d'amour) et Édouard Nanny (contrebasse), qui en 1901 sont les co-créateurs la « Société de concerts des Instruments anciens », sous la présidence du compositeur Camille Saint-Saëns, qui a pour objectif de faire revivre la musique des xviie etxviiie siècles en utilisant parfois des instruments d’époque. En Allemagne, le violoncelliste Christian Döbereiner (1874-1961), s’occupait de remettre à l’honneur les violes. Il fonda en 1905 la Vereinigung für Alte Musik. Le mouvement des « violistes » des années 1920 constitua une forme de protestation contre « l’establishment » artistique musical.

À partir de 1927, en Allemagne, le musicien August Wenzinger (qui après la Seconde Guerre mondiale dirigerait la célèbre Schola Cantorum Basiliensis), expérimentait le jeu avec un nouveau diapason (la = 415 Hz, soit un demi ton plus bas que le 440 Hz), sous le patronat de l’industriel et violoniste amateur Hans Hoesch.

Depuis 1950

En 1953, la naissance du label ERATO en France donne véritablement le coup d'envoi à la découverte du répertoire baroque. Avec Jean-François Paillard et des musiciens aussi prestigieux que Maurice André, Jean Pierre Rampal, Marie Claire Alain ou Pierre Pierlot, les Français découvrent, le microsillon aidant, les trésors de tout le répertoire baroque : ces musiciens, à qui l'on doit souvent les premiers enregistrements de la majeure partie des œuvres de Telemann, Haendel ou Vivaldi, parcourent la planète entière et imposent une nouvelle façon de jouer. Leur style est basé sur l'ensemble des écrits disponibles renseignant sur la façon d'interpréter le répertoire baroque ; mais ces musiciens ne souhaitent pas revenir aux instruments anciens.

Le label ERATO saura dans les années 1960 s'adjoindre la collaboration de nouveaux chefs, tels l'Italien Claudio Scimone ou le SuisseMichel Corboz.

Les autres pays européens participent aussi à la résurgence du répertoire baroque : on doit citer l'Allemand Karl Richter, dont les interprétations de la musique religieuse de Bach a une audience international immense, où des ensembles tels I Musici en Italie ou l'English Chamber Orchestra en Angleterre.

Au début des années 1970, la diffusion des œuvres baroques atteint son apogée : en France, la vente des disques consacrés à la période baroque a dépassé les 30 % des ventes totales des disques classiques entre la fin des années 1960 et le début des années 19801.

Au cours des années 1970, Gustave Léhonhart et Nikolaus Harnoncourt, et des chefs et interprètes tels Jean-Claude Malgoire, John Eliot Gardiner ou Sigiswald Kuijken, Trevor Pinnock, James Bowman ou Reinhard Goebel remettent en cause le « mouvement », en introduisant des instruments anciens, modifiant le diapason, remplaçant les femmes par des enfants dans les chœurs pour partir à la recherche du son perdu.

À l’époque, ce mouvement est le plus souvent raillé par les musiciens « établis ». L’enregistrement intégral des cantates sacrées deJean-Sébastien Bach entrepris conjointement par Nikolaus Harnoncourt et Gustav Leonhardt en 1971 devient le cheval de bataille de ceux que la critique ne tarde pas à surnommer, avec un certain mépris « les baroqueux » ou les « baroquisants ». Instruments anciens, chœurs et solistes garçons, airs d’alto confiés à un homme. Beaucoup s’insurgent et crient au scandale, voire sont choqués, comme Antoine Goléa« piquant une de ses pyramidales colères après audition d’un enregistrement d’Alfred Deller : « Cet homme qui chante avec une voix de femme, c’est... c’est... c’est... enfin, vous voyez ce que je veux dire ! ».

Les années 1980 voient peu à peu s’imposer les interprètes évoqués et naître de nouveaux talents comme : William Lincoln Christie, Philippe Herreweghe, René Jacobs, Gérard Lesne, Jordi Savall, Ton Koopman, Christophe Coin… Dans les années 1990, le mouvement de la musique ancienne est bien ancré dans la pratique musicale grâce à une nouvelle génération, au moins en Europe. Il est représentée par Marc Minkowski, Hervé Niquet, Christophe Rousset, Iakovos Pappas, Hugo Reyne, Christina Pluhar et son groupe L'Arpeggiata, les contreténorJames Bowman, Philippe Jaroussky et beaucoup d’autres.

On parle alors d'« interprétation baroque », lorsque le chef d’orchestre décide de jouer une œuvre avec les instruments de l’époque, les rythmes dits de l’époque (plus rapides) et les diapasons supposés de l’époque.

Le diapason utilisé était en effet variable en fonction des lieux, souvent déterminé par la longueur des tuyaux de l'orgue de l'église, eux mêmes fonction de la richesse de la paroisse et du budget qu'elle pouvait consacrer à la fabrication de l'instrument. Le diapason, c'est-à-dire la valeur du « la » de référence pourra varier au-dessus ou en dessous du « la 440 Hz » de l'accord romantique.

Depuis l'an 2000, un certain consensus se retrouve aujourd'hui dans l'interprétation des pages baroques. Les musiciens « modernes » ont pris en compte la clarté du discours imposé par les « baroqueux », et les dits « baroqueux » sont largement revenus sur les options jugées trop maximalistes : les voix d'enfants ont à peu près disparu de tous les enregistrements des œuvres vocales. Par ailleurs, dans la plupart des conservatoires et écoles de musique du monde, la pratique des instruments anciens lorsqu'elle existe, reste finalement le fait d'un petit nombre de jeunes musiciens.

LES GENRES

Musique instrumentale

La leçon de musique par Johannes Vermeer(vers 1664)

- le choral

- le concerto grosso

- le concerto

- la toccata

- la fugue

- la sinfonia

- la sonate

- la suite de danses

- le tombeau

Musique lyrique :

- la cantate profane

- l’opéra

- la tragédie lyrique

- l’opéra-ballet

Musique religieuse :

- l’antienne

- la cantate sacrée

- la messe pour orgue

- la messe pour chœur

- le motet

- l’oratorio

- la passion

DES INSTRUMENTS SPÉCIFIQUES À L'ÉPOQUE BAROQUE

Quelques instruments sont spécifiquement liés à cette époque où ils atteignent leur apogée (de la facture comme de la littérature) avant de connaître le déclin voire l’oubli complet du milieu du XVIIIème siècle jusqu’au début du XXème siècle ou plus tard. La tradition de facture s’étant perdue entre temps a pu être restituée, au moins partiellement par l’analyse des instruments anciens qui subsistent, et l’étude des traités lorsqu’ils existent.

- la flûte à bec, le cornet à bouquin

- les clavecins

- le luth et le théorbe

- l’orgue — est resté au xixe siècle l’instrument privilégié de la liturgie, mais n’intéresse plus guère les grands compositeurs jusqu’à César Franck. La facture de l’orgue à transmission mécanique atteint son apogée, en France et dans les pays germaniques pendant les xviieet xviiie siècles.

- les violes de gambe — ont connu leurs heures de gloire pendant trois siècles, de 1480 à 1780.
- le violon baroque — à partir du xixe siècle, les violons ont subi des changements de caractère esthétique et sonore.

Violon Stainer de 1658 montage baroque 

QUELQUES COMPOSITEURS BAROQUE IMPORTANTS

En Italie

Tomaso Albinoni (1671-1751)

Giacomo Carissimi (1605-1674)

Arcangelo Corelli (1653-1713)

Girolamo Frescobaldi (1583-1643)

Francesco Geminiani (1687-1762)

Pietro Locatelli (1695-1764)

Claudio Monteverdi (1567-1643)

Giovanni Battista Pergolese (1710-1736)

Alessandro Scarlatti (1660-1725)

Domenico Scarlatti (1685-1757) (compose l’essentiel de son œuvre en Espagne)

Giuseppe Tartini (1692-1770)

Giuseppe Torelli (1658-1709)

Antonio Vivaldi (1678-1741)

Gregorio Allegri (1582-1652) (Le miserere)

En France :

Musiciens de la cour de Louis XIII ou/et Louis XIV ou/et Louis XV :

Henry Du Mont (1610 - 1684)

Jean-Baptiste Lully (1632 – 1687)

Nicolas Bernier (1664 - 1734)

Marc-Antoine Charpentier (1643-1704)

Jean Gilles (1668 - 1705)

André Campra (1660 - 1744)

François Couperin (1668 - 1733)

Louis Couperin

Michel-Richard de Lalande

Marin Marais

Antoine Forqueray

Pierre Danican Philidor

André I Danican Philidor

Compositeurs de musique de scène (opéra-ballets…) :

Henry Desmarest

Jean-Philippe Rameau (1683 - 1764)

Jean-Joseph Cassanéa de Mondonville

Compositeurs pour Orgue :
Nicolas de Grigny

Michel Corrette

Compositeurs pour Clavecin :
Joseph Nicolas Pancrace Royer

Simon Simon

Élisabeth Jacquet de La Guerre

Orgue et Clavecin :
Louis-Antoine Dornel

Louis-Claude Daquin

Claude Balbastre

Jacques Duphly

Louis Marchand

Compositeurs pour instruments à cordes :
Jean-Marie Leclair pour le violon

Louis de Caix d'Hervelois pour la viole de gambe

Jean de Sainte-Colombe pour la viole de Gambe

Jean-Baptiste Stuck pour le violoncelle

Compositeurs pour flûte traversière :
Joseph Bodin de Boismortier

Michel Pignolet de Montéclair

Michel Blavet

Voir aussi :
École française de clavecin

École française d'orgue
École française de luth

En Allemagne

Carl Philipp Emanuel Bach

Jean-Sébastien Bach

Johann Christian Bach

Dietrich Buxtehude

Johann Jakob Froberger

Christoph Graupner

Georg Friedrich Haendel

Johann Adolph Hasse

Reinhard Keiser

Johann Pachelbel

Johann Joachim Quantz

Heinrich Schütz

Georg Philipp Telemann

Sylvius Leopold Weiss

Jan Dismas Zelenka (d'origine bohémienne)

Voir aussi : Écoles allemandes d'orgue

En Autriche

Georg Muffat

Johann Joseph Fux

Heinrich Ignaz Franz Biber

En Angleterre

John Blow (professeur de Purcell) (1649 - 1708)

John Jenkins (1592 - 1678)

Georg Friedrich Haendel (d’origine allemande) (1685 - 1759)

Tobias Hume (vers 1569 - 1645)

Henry Purcell (1659 - 1695)

Aux Pays-Bas (Espagnols, puis Autrichiens)

Henry Du Mont

Joseph-Hector Fiocco

Pietro Antonio Fiocco

Jean-Noël Hamal

Matheo Romero

Jan Pieterszoon Sweelinck

Pierre Van Maldere

En Espagne

Domenico Scarlatti (d'origine italienne)

José de Nebra

Antonio de Literes

Au Portugal

Francisco Antonio de Almeida

En Suède

Johan Helmich Roman

Quelques chefs d’œuvre marquants

Albinoni, Tomaso : "12 Concertos, opus 9 pour violon ou hautbois ou 2 hautbois"

Bach, Johann Sebastian : "Le Clavier bien tempéré", "Variations Goldberg", "Passion selon saint Matthieu", "Messe en si mineur", "6 Concertos brandebourgeois", "4 Suites pour orchestre", "Offrande musicale", "L’Art de la fugue"

Charpentier, Marc-Antoine : "Te Deum", "Médée", "David" et "Jonathas"

Corelli, Arcangelo : "12 Concertos Grossos Opus 6", dont le n° 8 « Fait pour la nuit de Noël »

Couperin, François : "Concerts royaux", l’œuvre pour clavecin

Haendel, Georg Friedrich : "Messie", "Royal fireworks" music, "Dixit Dominus", "Alcina", "Giulio Cesare in Egitto"

Lully, Jean-Baptiste : "Armide", "Atys"

Marais, Marin : l’œuvre pour viole, "Alcyone"

Monteverdi, Claudio : "Orfeo", "L'incoronazione di Poppea"

Pachelbel, Johann : "Canon en ré majeur" sur une basse obstinée

Purcell, Henry : "Dido & Aeneas", "Le Roi Arthur"

Rameau, Jean-Philippe : "Hippolyte et Aricie", "Les Indes galantes", "Castor & Pollux", "Platée", "Les Boréades"

Scarlatti, Domenico : l’œuvre pour clavecin

Vivaldi, Antonio : "Les Quatre Saisons", "Orlando furioso", "Stabat Mater"